Archive for the ‘Cine británico’ Category

EL SABOR DEL MIEDO (1961) de Seth Holt

Penny (Susan Strasberg, hija del director del Actor’s Studio, Lee Strasberg), una joven que tras sufrir un accidente ha quedado paralítica, decide volver a vivir con su padre, al que hace años que no ve, y con su nueva esposa. Al llegar, le dicen que su padre ha tenido que irse unos días de viaje por negocios. Extrañada por la situación y por que su madrastra pase tanto tiempo con el médico de la familia, empieza a sospechar que su padre ha podido ser asesinado.

Aunque no es de las más conocidas, El sabor del miedo (Taste of Fear) es una de mis películas favoritas de la Hammer, una historia de apenas 80 minutos que mantiene en vilo al espectador desde su estupenda escena inicial y que cuenta con las siempre agradecidas presencias de Ann Todd y Christopher Lee. Guion estupendo -aunque bastante manipulador, todo hay que decirlo- de Jimmy Sangster, que con la constante presencia amenazadora del agua como elemento de muerte parece remitirnos al poema de T. S. Eliot Death by Water; fotografía del gran Douglas Slocombe, que brilla especialmente en los momentos más terroríficos, que son unos cuantos, y dirección de un Seth Holt que no se limita a poner la cámara y a darle ritmo a la historia, sino que deja su sello de cineasta en las mejores secuencias del film y que, de propina, nos regala un espectacular homenaje a Charles Laughton y a una de las más inolvidables escenas de su obra maestra La noche del cazador (The Night of the Hunter, 1955).

Anuncios

LA LEYENDA DE LA CASA DEL INFIERNO (1973) de John Hough

the-legend-of-hell-house-182

Dentro del cine de terror, el subgénero “casas encantadas” no nos ha deparado precisamente grandes alegrías, a excepción, desde luego, de la magnífica Al final de la escalera (The Changeling, 1980) de Peter Medak y de la obra maestra Suspense (The Innocents, 1961) de Jack Clayton, aunque no dejan de ser dos ejemplos que se apartan bastante de los esquemas genéricos fijados a lo largo de la historia: familia que busca casa y no cree, pobres tontuelos, en maldiciones/grupete de listillos convencidos de poder vencer a las fuerzas del mal. En relación con el segundo, La mansión encantada (The Haunting, 1963) de Robert Wise, basada en la novela de Shirley Jackson, suele considerarse una película canónica, aunque a mí no acaba de convencerme. En 1999, Jan de Bont realizó La guarida (The Haunting), otra adaptación de la misma novela que da mucho miedo pero de lo mala que es.

legend_of_hell_house21

Es probable que el gran Richard Matheson conociera La mansión encantada cuando escribió La casa infernal (Hell House, 1971), ya que las influencias son claras; en cualquier caso, me parece que la adaptación de John Hough según guion del propio Matheson, titulada La leyenda de la casa del infierno (The Legend of Hell House), ha envejecido mucho mejor que el film de Wise y se mantiene todavía, sin ser una obra redonda, como una de las muestras más conseguidas del subgénero.

legend-of-hell-house-4

Un físico, su esposa y dos médiums (estupendos Roddy McDowall y Pamela Franklin) son contratados por un millonario que acaba de adquirir la mansión Belasco, considerada “el Everest de las casas encantadas”, para que descubran el secreto que alberga y por qué murieron los componentes del anterior grupo que fue a investigarla. Una vez instalados en el tenebroso lugar, un espíritu comenzará a hacerles pasar las de Caín, sobre todo al personaje interpretado por Pamela Franklin, que se pasa la película recibiendo estopa y algo más. Vamos, nada que no sepamos.

Aun así, varios elementos consiguen que el film, visto hoy, siga haciéndonos pasar un rato estupendo: un comienzo que no se anda por las ramas y nos mete rápidamente en harina captando nuestro interés; una extraordinaria ambientación siempre desasosegante; un guion que no abusa del susto fácil y que contiene momentos eróticos menos manidos que los de muchas películas de la Hammer, y una dirección nada acomodada que consigue tensar aún más la atmósfera creada gracias a una barroca planificación en la que abundan los picados y contrapicados, la profundidad de campo y los primeros planos. Quizá al bueno de Hough le dio por emular a Orson Welles, a quien había dirigido en La isla del tesoro (Treasure Island, 1972), uno de los muchos proyectos que Welles quiso llevar a cabo y no pudo. Al final se tuvo que conformar con interpretar a John Silver a las órdenes de otro cineasta.

hell-house-11

Editada por Fox.

ME HICIERON UN FUGITIVO (1947) de Alberto Cavalcanti

tumblr_inline_n2r802sGCY1r8rqdj

They_Made_Me_A_Fugitive_1947_-_English_fBrasileño de nacimiento, nómada que paseó su cámara desde los años 20 por Francia, Italia, Alemania y, sobre todo, Inglaterra, Alberto Cavalcanti me parece uno de esos cineastas de breve y poco conocida filmografía sobre los que valdría la pena indagar. Las pocas películas suyas que he podido ver muestran a un director en absoluto convencional, a un creador inquieto de no pocos momentos de cine genial, valiente e innovador.

Hace tiempo ya estuvo por aquí con Al morir la noche (Dead of night, 1945), una película fantástica de episodios en la que compartía autoría con otros tres cineastas, y ahora le toca el turno a Me hicieron un fugitivo (They Made Me a Fugitive), en mi opinión una de las obras maestras ignoradas del cine negro.

78914236

En el film de Cavalcanti aparecen, por supuesto, varias de las constantes del género: una fotografía espectacular, cortesía de Otto Heller; unos diálogos maravillosamente escritos para una galería de personajes, tanto los principales como los secundarios, perfectamente construidos (guion de Noel Langley a partir de la novela de Jackson Budd), y una historia repleta de persecuciones y violencia sobre un delincuente de poca monta llamado Morgan (Trevor Howard) que es traicionado por su banda de traficantes y, tras escapar de la cárcel, acechado por la policía y por sus antiguos compinches, liderados por Narcy, un malo antológico (Griffith jones).

jjXdl (1)

Todos estos elementos ya harían de Me hicieron un fugitivo una película estupenda, pero lo que la hace especialmente singular es la dirección de Cavalcanti, su forma de “vestirla”, su arriesgada concepción de la puesta en escena y del encuadre, sus audaces recursos visuales, su barroquismo nunca gratuito, que en ocasiones me recuerda al del cine de Orson Welles: picados y contrapicados, a menudo mostrando primeros planos; extensas secuencias que parecen interrumpir la acción principal, pero que acaban enriqueciéndola (tras escapar de la cárcel, Morgan se refugia en una casa cuya dueña lo ayuda para después proponerle que mate a su marido; un camionero lo recoge en la carretera y las mutuas desconfianzas se muestran en un diálogo delirante, casi surrealista); rejas que separan a dos personas y que desaparecen de nuestra vista al mostrar a ambos personajes de perfil, uno frente al otro; espejos que deforman el rostro de Narcy para mostrar su maldad, como si de un Dorian Gray se tratara, justo antes de dar rienda suelta a toda su violencia y su locura, momento que Cavalcanti muestra haciendo girar la cámara y al personaje como una noria… Detalles y más detalles de cine grande, de cine inconformista que busca enriquecer al máximo la forma de contar una buena historia, de la mano de un director al que probablemente la Historia del Cine algo le deba.

fugitive-9

Editada en DVD por Crest Films.

 

EL EXPERIMENTO DEL DR. QUATERMASS (1955) de Val Guest

5045474_f520

Desde su primera aparición en la serie televisiva de 1953 dirigida por Rudolph Cartier, el Dr. Quatermass y su lucha contra las fuerzas alienígenas no han dejado de regresar esporádicamente tanto a la pequeña como a la gran pantalla; la última vez, en otra serie de 2005.

El film que nos ocupa es probablemente el más conocido sobre el personaje, una pequeña joya producida por la Hammer que brilla sobre todo en el aspecto visual, en la forma como Val Guest resuelve varias de sus escenas inspirándose, eso sí, en clásicos del género.

Cartel+1955+The+Quatermass+Xperiment+7-1024x751

En cuanto al argumento, poca cosa: una nave que había sido enviada al espacio en misión de reconocimiento se estrella al regresar a la tierra y en su interior solo aparece uno de sus tres ocupantes, con aspecto de haber sido infectado e incapaz de comunicarse. Tras examinarlo en un hospital, el Dr. Quatermass (Brian Donlevy) sospecha que ha sido poseído por una fuerza alienígena y ordena mantenerlo bajo vigilancia; pero la imprudente esposa lo ayuda a escapar y el extraño ser comienza a sembrar el pánico entre la población.

quarter_shot7l

El talento de Guest para la puesta en escena destaca ante todo a partir de la secuencia de la huida, con el asesinato estupendamente filmado del tipo al que ha contratado la esposa para sacar al “marido” del hospital. Tras esta, posiblemente los dos grandes momentos del film con sendos homenajes: el encuentro del monstruo con la niña que juega con su muñeca, en el que nos devuelve ya irremediablemente, si no lo ha hecho antes, a El doctor Frankenstein               (Frankenstein, 1931) de James Whale, y la magistral escena nocturna en el zoo en la que los animales se alborotan al sentir una presencia entre la vegetación, y que hace que regresemos por un instante al universo creado por Jacques Tourneur en La mujer pantera (Cat People, 1942).

quarter_shot8l

Lástima que al final la película opte por la vía fácil – probablemente, cosas de la productora- y olvide que siempre es mejor sugerir que mostrar, lo cual deja mal sabor de boca pero no consigue empañar una de las cintas más interesantes del fantástico de los años 50.

Editada en DVD por Feel Films.   

NUNCA ACEPTES DULCES DE UN EXTRAÑO (1960) de Cyril Frankel

never take sweets from a strangerAdemás de actualizar con unas gotas de sangre y de erotismo los mitos del terror de la Universal, la Hammer produjo unas cuantas películas de misterio nada desdeñables que el paso del tiempo se ha encargado de ocultar tras colmillos rojizos, vendas faraónicas y noches de luna llena.

Nunca aceptes dulces de un extraño (Never Take Candy from a Stranger), adaptación de la obra homónima de Roger Garis, se adentra en un tema tan peliagudo y espinoso como la pederastia y el escándalo que provoca en una pequeña comunidad al contarnos la historia de Jean, una niña de once años que confiesa a sus padres haber sido objeto de abusos sexuales por parte de un anciano que la había atraído ofreciéndole dulces. La familia, recién llegada a la localidad, denuncia el hecho a la policía, pero se encuentra con el rechazo y la oposición de las autoridades y de sus vecinos, ya que el acusado es el patriarca de la familia más popular y poderosa del pueblo.

Never Take Candy 108

La parte central del film, que muestra la lucha de la familia Carter contra la hipocresía local y el simulacro de juicio que se celebra contra el anciano Olderberry, es la menos destacable, con una dirección demasiado convencional y falta de nervio que impide que la película sea aún mejor de lo que es. En cambio, esta levanta el vuelo y de qué manera en las escenas de mayor tensión, en las que la amenaza se cierne sobre la pequeña Jean: el excepcional arranque en el bosque, con ese plano con el columpio en primer término y la silueta de la niña dirigiéndose al caserón, dejando atrás la inocencia; la pesadilla que tiene Jean la noche después del suceso, de la que se despierta gritando en la oscuridad, o el largo fragmento final que transcurre entre el bosque y el embarcadero, realmente excepcional y terrorífico.

NTCFAS01

Es en esos momentos -algunos de ellos recordarán al espectador la obra maestra de 1958 titulada El cebo, de Ladislao Vajda- donde la dirección de Cyril Frankel y la fotografía del gran Freddie Francis, que al año siguiente trabajaría con Jack Clayton en esa enormidad que es Suspense (The Innocents, 1961), rayan a gran altura, consiguiendo que el film sea una visita más que recomendable para los amantes del género.

never-take-sweets-from-a-stranger

Editada en DVD por Columbia.

 

VIDA PARA RUTH (1962) de Basil Dearden

6a00d83451cbb069e200e54f1a665c8833-800wi

La Historia del Cine suele dedicarle muy poco espacio a la figura de Basil Dearden, despachándolo probablemente de manera demasiado rápida, mucho más, desde luego, que a cineastas como Tony Richardson, Karel Reisz o Lindsay Anderson, abanderados del free cinema cuya obra, en términos generales, me parece que no ha resistido bien el paso del tiempo. Y si bien es cierto que su cine no anda sobrado de genio, de nervio, de personalidad, no lo es menos que él también tuvo la valentía de tratar, en las que a la postre serían sus mejores películas, ciertos temas espinosos para la época, dejándonos de paso un valioso documento sobre la realidad social inglesa de los años 50 y 60.

LifeForRuth1962

Lo hizo en Crimen al atardecer (Sapphire, 1959), un policíaco que trataba el tema del racismo; en Víctima (Victim, 1961), un drama con tintes de cine negro sobre la homosexualidad, que en aquella época aún era considerada un delito, y en Vida para Ruth (Life for Ruth), posiblemente la menos conocida de las tres, la historia de una niña que, tras sufrir un grave accidente, solo puede salvarse mediante una transfusión de sangre, a lo que el padre se opone porque la Biblia lo prohíbe y privaría a Ruth de la vida eterna. Tras la muerte de la niña, el médico que la atendió decide denunciar al padre por homicidio.

ti104371_large

El film pone en tela de juicio el fanatismo religioso y cuestiona, de manera seria, rigurosa y nada maniquea, hasta qué punto es lícito poder decidir sobre la vida de nuestros hijos – y, por qué no, sobre sus ideas religiosas o políticas, haciéndolos a nuestra imagen y semejanza- a partir de nuestras creencias, convirtiéndolas en suyas cuando aún no pueden entenderlas ni elegir por sí mismos.

Estupendamente escrita e interpretada, Vida para Ruth consigue su doble objetivo de entretenernos y de hacernos reflexionar acerca del tema que trata. Quizá el resultado no sea para tirar cohetes, pero sí para que le dediquemos una parte de nuestro cinéfilo tiempo a un cineasta demasiado olvidado.

descarga

Editada en DVD por Feel Films.

 

THE DEEP BLUE SEA (2011) de Terence Davies

The-Deep-Blue-Sea2

Aunque la breve y poco conocida filmografía de Terence Davies se ha ido labrando poco a poco cierto prestigio, buena parte de la crítica acostumbra a tachar sus películas de excesivamente frías y preciosistas, de preocuparse más por la estética de sus imágenes que por hacer partícipe al espectador de la pasión, el drama, los sentimientos que guardan sus historias. The Deep Blue Sea, su último estreno hasta la fecha y una de mis películas favoritas de los últimos años, no solo no ha sido una excepción sino que, probablemente, es el film de Davies que ha encontrado una mayor división de opiniones, desde los que piensan que es una obra maestra hasta los que ven en ella el mayor compendio de los defectos de su cine.

deepblue

Basada en la obra teatral de 1952 escrita por Terence Rattigan, que ya fue llevada al cine en 1955 por Anatole Litvak con Vivien Leigh como protagonista, la película -cuyo título, si no me equivoco, proviene del dicho between the devil and the deep blue sea, algo así como “entre la espada y la pared”- cuenta la historia de Hester (memorable Rachel Weisz), una joven que renuncia a su posición acomodada junto a su marido, a todo lo que tiene, por el amor que siente hacia otro hombre, desafiando a la sociedad puritana de la época. Estamos, pues, ante un triángulo amoroso que, como veremos más adelante, puede traernos a la memoria otras obras maestras.

vlcsnap-2012-06-06-17h57m19s162

Apoyándose en una fotografía, una música y una ambientación extraordinarias, como suele ser habitual en su cine, la puesta en escena de Davies renuncia a la representación melodramática, a la exposición desnuda y desaforada de los sentimientos, y opta por la austeridad de los diálogos y los silencios, por observar a sus personajes a menudo en la distancia, a través de los cristales o en sus reflejos, como si los espiara (en algunos momentos, me recuerda al cine de Ophüls), por la mirada de una heroína que interioriza todo lo que siente y que es el centro absoluto de la película, como lo era también Lily Bart (Gillian Anderson) en La casa de la alegría (The House of Mirth, 2000), la anterior y minusvalorada película de Davies. Esa aparente frialdad, esa pasión retenida, me parece que se presta perfectamente para contarnos lo que en realidad es el film: no la historia de una relación amorosa, sino la del amor de una mujer y lo que por él es capaz de hacer; la historia de su elección, su renuncia y su soledad.

Para encarnarla, nadie mejor que Rachel Weisz, una de las más grandes actrices de la última década. Consciente de lo que es capaz de darle, Davies le entrega en bandeja la película y entre ambos hacen de Hester uno de esos personajes femeninos que se guardan en la memoria. Cómo no hacerlo, por ejemplo, en la maravillosa escena del andén, homenaje a una muy similar protagonizada por Ann Todd y filmada por David Lean en aquella joya -otro triángulo amoroso- titulada Amigos apasionados (The Passionate Friends, 1949).

the-deep-blue-sea-03

Y continuando con los triángulos amorosos, la película a la que más me recuerda The Deep Blue Sea, salvando todas las distancias que se quiera, no es otra que la obra maestra de Dreyer Gertrud (1964). A saber si Rattigan leyó la obra teatral, de 1906, escrita por Hjalmar Söderberg en la que se basó el cineasta danés, pero ¿no era aquella también la historia de una mujer que abandonaba a su marido por un amor finalmente no correspondido? ¿No era la historia de una mujer que renunciaba a todo cuanto tenía, a toda su vida, por seguir el camino en el que creía y que acababa recluida en su propia soledad? ¿Nos parece fría la película de Dreyer, una de las obras capitales del cine, porque sus personajes apenas dan rienda suelta a sus sentimientos y dicen, más que interpretan, sus líneas de diálogo sin casi mirarse?

Particularmente, la Hester que interpreta Rachel Weisz me ha devuelto, siquiera en parte, a la Gertrud que encarnó Nina Pens Rode, a uno de los más grandes personajes femeninos que he visto en una pantalla, como si el director británico hubiera querido regalarse -y regalarnos- su propia Gertrud particular. El film de Dreyer es hoy en día intocable; veremos qué le depara el futuro al de Davies.

12

Editada en DVD por Avalon.

ATTACK THE BLOCK (2011) de Joe Cornish

attack-the-block

En uno de los tantas veces recordados diálogos de Casablanca (1942) de Michael Curtiz, el mayor Strasser le pregunta a Rick su opinión sobre la posibilidad de que el ejército alemán invada Nueva York, y Rick le contesta que hay barrios de Nueva York en los que no les aconsejaría que se metieran. A saber si Joe Cornish pensó en la desafiante respuesta a la hora de escribir y filmar su primera película, pero sin duda le viene como anillo al dedo.

la-banda-protagonista2

En Attack the Block no son los nazis sino un nutrido grupo de extraterrestres con malas pulgas y aspecto de mono peludo el que ataca a todo lo que se mueve en un barrio londinense. Pero a él se enfrenta una banda de duros adolescentes orgullo de cualquier madre: fuman droga, trafican con ella, atracan a jóvenes indefensas, tienen armas y saben qué hacer con ellas. Vamos, un ejemplo de corrección. Igualitos a los protagonistas de esa ñoñez -eso sí, estupendamente filmada- que J.J. Abrams estrenó también en 2011 y que responde al título de Super 8.

attack-the-block

Con muchos menos medios y poco ánimo de trascender, pero dispuesto a que nadie se aburra ni un instante, Cornish nos ofrece en 80 minutos un cóctel de acción, comedia, transgresión, mala baba y sentido del ritmo cinematográfico, aderezado todo ello con unas gotas de sangre y la influencia, perfectamente asimilada, de las pelis de bichos foráneos filmadas por Spielberg o Joe Dante  y de cualquier wéstern o policiaco en el que Hawks, su alumno aventajado Carpenter y algunos otros mostraban a un grupo de personas asediadas en un espacio cerrado. De momento, Cornish  sólo es un discípulo de todos ellos que ha realizado una estupenda ópera prima, pero apuesto a que será conveniente seguirle la pista.

attack-the-block-hallway

Editada en DVD por Avalon.

MATAR O NO MATAR, ÉSTE ES EL PROBLEMA (1973) de Douglas Hickox

Matar_o_no_matar_este_es_el_problema-224978060-largeAdaptaciones más o menos fieles de sus obras; películas que las incluyen como parte importante de su argumento (ahí están, por ejemplo, dos joyas como Ser o no ser (To Be or Not To Be, 1942) de Lubitsch y Doble vida (A Double Life, 1947) de Cukor); guiones de género que recurren a ellas como disimulada fuente de inspiración… El cine de todas las épocas ha tenido siempre en el teatro de Shakespeare un clavo al que agarrarse, un inagotable seguro de vida al que los guionistas continúan acudiendo.

Una de las más originales y disparatadas películas de las que han recuperado al dramaturgo inglés es Matar o no matar, éste es el problema (Theatre of Blood) de Douglas Hickox, un cineasta cuya filmografía no da motivos, precisamente, para montar una fiesta y que consigue aquí su mejor trabajo, aunque en manos de otro director más avezado la cosa habría dado aún para mucho más.

theater-of-blood1

La historia que nos cuenta es la de Edward Lionheart (Vincent Price), un veterano actor teatral especializado en Shakespeare que se suicida tras ser injustamente ignorado en la entrega de los premios anuales que conceden los críticos londinenses. Dos años más tarde, esos críticos van apareciendo asesinados, emulando los crímenes de las tragedias shakesperianas.

theatre+2

El film es una mezcla del género de terror con la comedia negra de trazo grueso, y en ambas líneas nos ofrece momentos estupendos: el primer asesinato, representando la muerte de Julio César; la aparición en un cementerio de un caballo al galope arrastrando el cadáver sanguinolento de uno de los críticos (posiblemente la imagen más perdurable); la divertida escena en que Lionheart/Price se hace pasar por peluquero afeminado para acabar con la única mujer del grupo, o la recreación de una de las muertes de Tito Andrónico, en la que uno de los críticos, amante de la buena mesa, termina siendo obligado a comer hasta ahogarse, y que vete a saber si no la tuvo en cuenta el gran David Fincher para el primero de los crímenes de Seven (1995).

theatreofblood_zps5b17d895

Sin ser ninguna obra maestra, Matar o no matar… es una rareza ideal para pasar un rato estupendo y una película imprescindible para los fans de un Vincent Price que disfruta como un niño en una juguetería con un papel que guarda bastante parecido con el que interpretó para Robert Fuest en El abominable Doctor Phibes (The Abominable Dr. Phibes, 1971).

Editada en DVD por Metro Goldwyn Mayer.

AL MORIR LA NOCHE (1945) de Basil Dearden, Alberto Cavalcanti, Robert Hamer y Charles Crichton

La productora británica Ealing ha pasado a la historia del cine por ser la responsable de un buen puñado de extraordinarias comedias -varias de ellas, obras maestras- dotadas de un sello inconfundible. Con Al morir la noche (Dead of Night) hizo un alto en el camino para adentrarse en el terreno fantástico del terror psicológico, a través de un film de episodios -formato que tan de moda se pondría años más tarde- dirigidos por Basil Dearden, Alberto Cavalcanti (dos de ellos), Robert Hamer y Charles Crichton, cuatro de los habituales cineastas de la productora.

        El hilo conductor de las historias es una reunión en una casa de campo en la que uno de los invitados afirma haber soñado varias veces con la situación en que se encuentran, explicando cosas que van a suceder a continuación. A partir de esta premisa, cada uno de los invitados cuenta un suceso sobrenatural del que fueron partícipes. Espejos encantados, visitas fantasmales, avisos que previenen de una muerte cercana…nos ilustran sobre los límites entre la realidad y las pesadillas, sobre la vida como “un sueño dentro de otro sueño”, como escribió Poe en uno de sus más célebres poemas. 

        Entre el estupendo tono general, para mí destaca especialmente el episodio del ventrílocuo poseído por la personalidad de su muñeco Hugo, con un argumento que el cine nos ha mostrado en un montón de películas: desde El gran Gabbo (The Great Gabbo, 1929) de Erich von Stroheim y James Cruze, hasta una de las mejores Historias para no dormir de Narciso Ibáñez Serrador, pasando por Magic (1978) de Richard Attenborough y cien ejemplos más. Dirigido por Cavalcanti y protagonizado por Michael Redgrave, es una gozada presente en cualquier antología del fantástico, cuyo final apostaría a que influyó en Hitchcock para el de Norman Bates en Psicosis (Psycho, 1960).

               Editada en DVD por Regia Films.