Archive for the ‘Cine italiano’ Category

LA LEYENDA DEL SANTO BEBEDOR (1988) de Ermanno Olmi

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coverLa breve novela La leyenda del santo bebedor (Die Legende vom heiligen Trinker, 1939), testamento literario de Joseph Roth, nos cuenta la historia de Andreas, un vagabundo de buen corazón que duerme bajo los puentes de París al que un singular anciano le ofrece doscientos francos con la condición de que, el día que pueda, vaya a la iglesia y se los ofrende a Santa Teresa de Lisieux. Tras aceptar el dinero y darle al desconocido su palabra de honor, Andreas se convertirá en el protagonista de una serie de sorprendentes situaciones, extrañas coincidencias y encuentros con varios personajes, algunos regresados del pasado, que dificultarán de diversas maneras el cumplimiento de su palabra.

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Ganadora del León de Oro en Venecia, La leyenda del santo bebedor (La leggenda del santo bevitore) es una adaptación bastante fiel a la novela dominada de arriba abajo por la habitual elegancia en la puesta en escena de Ermanno Olmi, que opta por darle al film un tono de serena tristeza alejado de dramatismos, al que contribuyen los pequeños flashbacks que nos muestran, sin apoyarse en la palabra, el pasado de Andreas (impresionante interpretación de Rutger Hauer) y el porqué de su situación actual.

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El París que recorremos de la mano de nuestro protagonista -las tiendas, los hoteles, las calles nocturnas y, por supuesto, los cafés y las tabernas- tiene algo de irreal, de sueño pintado por la fotografía de Dante Spinotti en el que van apareciendo los figurantes que acompañarán a Andreas en sus últimos días, los que vuelven del pasado -la mujer de la que se enamoró y que causó indirectamente su desgracia, el célebre boxeador amigo de la infancia, el compañero de trabajo en la mina- y los recién llegados a su vida -el extraño que le ofrece los doscientos francos (Anthony Quayle); el sastre que le da trabajo fiándose de él sin garantías y le paga, precisamente, doscientos francos; la joven bailarina que le acompaña durante dos días con sus noches-, personajes que parecen existir solo en esos momentos que comparten con Andreas antes de su último acto de honradez y de su muerte, como si le fuera otorgada, por un lado, la posibilidad de recuperar lo bueno de su pasado y, por otro, la de merecer, por última vez, la confianza de un buen hombre y la compañía de una joven bonita.

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Obra maestra sobre la redención más íntima y personal, sobre la segunda oportunidad para los abandonados de sentirse persona y disfrutar de nuevo brevemente de lo que no debería negársele a nadie, religiosa y mística en el más amplio sentido, La leyenda del santo bebedor nos guarda para su parte final una larga secuencia sin diálogos de cine descomunal, la que nos muestra las últimas horas que pasa Andreas, antes de realizar, por fin, su ofrenda, en la taberna donde se refugia habitualmente junto a otros vagabundos. Pocas veces el cine nos ha hecho sentir tan intensamente la amenaza del frío, el viento y la lluvia tras unos cristales, el calor acogedor de una pequeña estufa, la soledad de unas personas que comparten abrigo sin dirigirse la palabra, la compañía del abundante vino por el que una pareja de ancianos le devuelve a Andreas la imagen de sus padres y este les muestra el reloj que le dieron al dejar su hogar y que aún conserva… Solo por ese fragmento inolvidable, Olmi debería tener reservado un rinconcinto en los altares del cine.

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Editada por Videohits.

¡FELIZ NAVIDAD PARA TODOS!

 

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LA MÁSCARA DEL DEMONIO (1960) de Mario Bava

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La_maschera_del_demonio_(film_cover)Aunque también realizó películas de aventuras y wésterns, Mario Bava es reconocido principalmente por ser el gran renovador del cine de terror italiano y el iniciador del giallo, subgénero cuya mayor figura será más adelante Dario Argento y que influirá en cineastas como John Carpenter o Brian de Palma y en ese otro subgénero que tantos ríos de tinta y de sangre sigue haciendo correr: el slasher.

Su debut como realizador en solitario, tras haber trabajado como ayudante de Mario Camerini y de Riccardo Freda, fue La máscara del demonio (La maschera del demonio), adaptación del relato de Nicolai Gogol El Viyi, un film aún lejos del giallo que bebe de la tradición del terror europeo, de la brujería, el vampirismo, el romanticismo y el gótico, y que para mí es su obra maestra junto a Las tres caras del miedo (I tre volti della paura, 1963).

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El inicio de la película nos sitúa en la Rusia del siglo XVII. La bruja vampiro Asa (Barbara Steele) y su diabólico amante son condenados a muerte por la Inquisición, presidida por el propio hermano de la muchacha. Antes de morir, Asa jura que volverá para vengarse en los descendientes de su hermano.

Tras este impresionante prólogo, en el que Bava ya nos deslumbra con sus elegantes travellings, sus primeros planos y una fotografía en blanco y negro espectacular creada por él mismo -no en vano comenzó su andadura en el cine como director de fotografía, colaborando con, entre otros, Roberto Rossellini-, la acción nos traslada un par de siglos después, cuando dos médicos de paso por la región descubren la tumba de la bruja y, por culpa de su curiosidad y su torpeza, provocan que vuelva a la vida y se disponga a llevar a cabo su venganza.

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Desde la primera aparición fantasmagórica de Katia (la joven descendiente de Asa, interpretada también por Barbara Steele) entre las ruinas cercanas a la cripta familiar, hasta cualquiera de los planos nocturnos del cementerio entre la niebla o del castillo a la luz de la luna, pasando por esa maravilla cinematográfica que es el paseo de la niña por el bosque durante el que descubre la carroza guiada por el amante resucitado de la bruja, la principal protagonista del film de Bava es la belleza de su estilista puesta en escena, que nos devuelve plano a plano todo aquello que la literatura europea de terror fue capaz de sugerirnos. Quizá -solo quizá- hoy en día no nos provoque demasiado miedo, pero las hermosas imágenes de La máscara del demonio nos demuestran una vez más, por si hiciera falta, que podemos encontrar el mejor cine en cualquier género.

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Editada por Regia Films.

 

 

 

 

LA RAGAZZA DI BUBE (1963) de Luigi Comencini

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La_ragazza_di_BubeNo siempre es imprescindible que las películas que forman parte de nuestra memoria cinéfila sean absolutas maravillas. A veces basta un solo plano, un diálogo, un tema musical o una interpretación para que a algunas les hagamos un pequeño sitio en nuestros recuerdos. En mi caso, una de ellas es La ragazza di Bube, adaptación de la novela de Carlo Cassola dirigida por Luigi Comencini, la historia de una muchacha llamada Mara a la que presta alma, corazón y vida Claudia Cardinale: un personaje, una actriz y un rostro que, como pocas veces, son toda una película, empezando por su título. Y no quiero decir con esto que Comencini -un buen director con alguna estupenda cinta en su filmografía como Todos a casa (Tutti a casa, 1960)- no pinte nada; pero sí creo que a la historia y al resto de personajes les falta fuerza y acaban diluyéndose ante la presencia de Mara/Claudia.

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La alegre Mara, la muchacha de pelo corto traviesa y rebelde que se enamora de un forastero al que llaman Bube (un George Chakiris que dos años antes daba el pego bailando al ritmo de Shakespeare, pero al que aquí se le ven las costuras); la que lo mira mientras duerme aguardando pacientemente a que despierte; la que lo acompaña en su huida tras ser acusado de asesinar a un policía fascista…

La triste Mara, la que espera durante años que Bube salga de la cárcel; la que pasea de noche, bajo la luz de las farolas, junto a Stefano (Marc Michel), un escritor enamorado de ella al que acabará rechazando; la que, mientras viaja en tren para visitar a Bube, recuerda su historia al inicio del film…

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A ambas, y a cómo las ilumina la espléndida fotografía de Gianni Di Venanzo, pertenecen todos y cada uno de los grandes momentos de la película, hasta el punto de que si hay en ella una historia de amor que realmente nos conmueve es la que vive la cámara con Claudia Cardinale.

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Editada en DVD por Mon Inter Comerz.

 

 

 

SEÑORAS Y SEÑORES (1966) de Pietro Germi

oY5PymxEn 1953, Fellini nos mostró en Los inútiles (I vitelloni) a un grupete de jóvenes atorrantes que entre risas, juergas y bromas se sentaban a ver la vida pasar; tres años después, Bardem adaptaba a Arniches en su impresionante Calle Mayor, en la que otros tipejos sin oficio ni beneficio no dudaban en dejar a la intemperie los sentimientos de una mujer si con ello podían matar el aburrimiento durante una temporada.

No es difícil imaginar a personajes como estos al cabo de unos años, ya con un trabajo y ciertas obligaciones que atender, y junto a sus respectivas esposas reconocerlos en Señoras y señores (Signore e signori), una de las más divertidas, salvajes y despiadadas críticas sociales que nos haya dejado el cine italiano, cortesía de Pietro Germi y de los guionistas Furio Scarpelli y Luciano Vincenzoni.

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Ganadora de la Palma de Oro en Cannes, Señoras y señores está compuesta de tres episodios habitados, con mayor o menor protagonismo en cada uno de ellos, por los mismos personajes, miembros de la floreciente burguesía del norte de Italia en los años 60, a los que Germi destroza sin compasión quitándoles las máscaras y sacando al aire sus vergüenzas.

Blindados tras las falsas apariencias y la hipocresía que los hacen respetables a ojos de los demás y recurriendo, cuando se les va la mano y se ven expuestos a algún escándalo, al poder que ejercen sobre la prensa y las autoridades y a su influencia sobre el clero, ganada a pulso con sus “limosnas”, estos personajillos no dudan en recurrir al engaño para ponerse los cuernos entre ellos -siempre y cuando, por supuesto, el resto del grupo no se entere-, en evitar por todos los medios que uno de ellos abandone a su familia para huir con una joven de la que se ha enamorado -el mejor episodio, con una maravillosa Virna Lisi y un impresionante Gastone Moschin- o en pasarse de uno a otro a una joven menor de edad para gozar de sus favores sexuales a cambio de dinero, episodio que aprovecha Germi para extender su inclemente sátira a las clases pobres: aquí nadie se libre del hacha del verdugo.

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A caballo entre el trazo grueso -para que no quepan dudas de la mala leche que desprende- y las situaciones y diálogos más geniales y delirantes, Señoras y señores se sitúa justo al lado de la mucho más conocida Divorcio a la italiana (Divorzio all´italiana, 1961) y, en mi opinión, muy por encima de Seducida y abandonada (Sedotta e abbandonata, 1964), y demuestra una vez más, por si hacía falta, que la commedia all´italiana es un pozo sin fondo de grandes películas y que debajo de cada piedra italiana se encuentra un actor excepcional.

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Editad en DVD por Regia Films.

 

 

LAS MANOS SOBRE LA CIUDAD (1963) de Francesco Rosi

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El día 10 de enero falleció, a los 92 años, Francesco Rosi, uno de los directores italianos más controvertidos, abanderado de un cine realista que denuncia sin cortapisas la situación socio-política de su país.

Las_manos_sobre_la_ciudad-349698548-largeLas manos sobre la ciudad (Le mani sulla città), uno de los mejores ejemplos de ese tipo de cine que cultivó durante casi toda su carrera y León de Oro en el Festival de Venecia de 1963, se centra en el tema de la especulación inmobiliaria y en los tejemanejes políticos que se generan a su alrededor.

Rod Steiger interpreta a Eduardo Nottola, un político que busca forrarse especulando con la construcción y venta de pisos, al amparo de su cargo de concejal del Ayuntamiento de Nápoles. El derrumbamiento de uno de los bloques, con las consiguientes víctimas, provoca que su nombre salte a la palestra y que se abra una comisión investigadora, pero las componendas políticas entre los partidos mayoritarios, con unas elecciones a la vuelta de la esquina, se las apañarán para que todo quede en papel mojado.

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Cine atemporal para degustar en crudo, sin aderezos ni parafernalias, Las manos sobre la ciudad muestra una imagen deleznable y, cincuenta años después, completamente actual sobre la mierda que se cocina en las entrañas del poder político, aunque su visión resulte maniquea al destrozar a la derecha y presentar a la izquierda como la defensora de los derechos ciudadanos.

Sus diálogos y situaciones sin desperdicio, que aunque solo pueden escandalizar hoy en día a los más ingenuos siguen resultando demoledores, le quitan la careta sin anestesia a una clase dirigente corrupta que juega a su antojo con la democracia para enriquecerse, que no tiene reparos en lavar la ropa sucia en casa y que solo se fija en el pueblo a la hora de captar sus votos. ¿Os suena?

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Editada en DVD por Filmax.

 

 

 

EL ESTAFADOR (1960) de Dino Risi

il_mattatore_cecchigori_olivetti_arDe nuevo por aquí el gran Dino Risi con otra de sus divertidísimas películas, con otra demostración de que la comedia italiana merece un capítulo aparte en la historia del cine y de que es uno de los remedios infalibles para olvidarse durante un rato de la que nos está cayendo, y más si al frente de la fiesta está, como tantas veces, el insustituible Vittorio Gassman.

En El estafador (Il Mattatore) Gassman interpreta a Gerardo, un actor de poca monta que de vez en cuando participa en pequeñas estafas para sobrevivir. Tras una de ellas acaba en la cárcel, donde conoce a unos cuantos profesionales de la vida fácil -entre ellos, el encarnado por Peppino de Filippo, otro monstruo de la comedia demasiado olvidado- con los cuales aprenderá el oficio, convirtiéndose con el tiempo en todo un experto en engañar al prójimo.

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El film es una sucesión de episodios desternillantes por los que va desfilando toda una galería de personajes de la sociedad italiana de la época, a los que Gassman despluma sin contemplaciones planeando sus estafas de manera cada vez más retorcida, imaginativa y sorprendente, aprovechando a menudo la propia avaricia y ambición de los engañados, lejos del modelo de ciudadano ejemplar.

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Aunque el El estafador es, de principio a fin, una comedia pura en la que no aparece la otra cara de la farsa, el contrapunto dramático al que recurre Risi en otras ocasiones, la crítica hacia una sociedad viciada y corrompida siempre está presente, aunque sea de manera más ligera, escondida tras las carcajadas y tras, esta vez, un final feliz.

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Editada en DVD por DeAPlaneta.

CÉSAR DEBE MORIR (2012) de Paolo y Vittorio Taviani

CaesarCuando has visto unas cuantas películas de determinado director y no has encontrado en ellas nada que te entusiasme, lo normal es que deje de interesarte, perderle la pista, más aún cuando no se prodiga demasiado y sus nuevos trabajos no se anuncian precisamente a bombo y platillo.

De los hermanos Taviani, como de muchos otros, ya ni me acordaba, entre otras razones porque andaban bastante desaparecidos y porque ni siquiera las que pasan por ser sus obras más prestigiosas, como Padre padrone (1977) o La noche de San Lorenzo (La notte di San Lorenzo, 1982), me gustaron demasiado en su día. Pero en 2012 una estupenda y premiada película volvió a colocarlos a la cabeza de un cine italiano que no se da demasiadas alegrías.

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En César debe morir (Cesare deve morire), la cámara de los Taviani filma de manera sencilla y austera, intensa y emocionante, los ensayos y la representación del Julio César de Shakespeare, interpretado por un grupo de presos de la cárcel Rebibbia de Roma que, en algunos casos, no parecen en absoluto actores aficionados. Con la ayuda de la magnífica fotografía, alternando el blanco y negro y el color, de Simone Zampagni, el film nos recuerda, por si hacía falta, la vigencia del teatro de Shakespeare, al relacionar las tensiones que aparecen entre los personajes de la obra con las que ocurren entre los presos a diario, y pone énfasis en la fuerza del arte como método educativo, de libertad intelectual, de reinserción social y de tantas otras cosas. En apenas una hora y cuarto, una lección de cine que mezcla el drama y el documental como pocas veces.

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Editada en dvd por Cameo.

MONSTRUOS DE HOY (1963) de Dino Risi

i-mostri-di-dino-risi-L-241N6xDurante los años sesenta comenzaron a proliferar en la comedia italiana las películas divididas en breves episodios. Interpretadas por los más grandes actores del momento, generalmente dando vida a varios personajes cada uno, se servían de un humor bastante bestia e irreverente para poner patas arriba todos y cada uno de los estamentos de la sociedad de la época.

El film canónico de este subgénero es Monstruos de hoy (I mostri) de Dino Risi, escrito por el propio director en colaboración con Elio Petri y Ettore Scola, entre otros. Veinte episodios para sonreír, reír a carcajadas y algo más, que tuvieron su continuación en ¡Que viva Italia! (I nuovi mostri, 1973), dirigida por Risi, Scola y Mario Monicelli.

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Desde el pobre de solemnidad que en lugar de pagar al médico de sus hijos se gasta el dinero en el fútbol (impagable ver a Gassman celebrando un gol a grito pelado) o el pícaro que pide limosna engañando a la gente, hasta el clero, los políticos, la policía y los abogados, Monstruos de hoy no deja piedra sobre piedra. Su humor negro de trazo grueso se posa sobre la mentira, la hipocresía, la vagancia, la incultura, sobre cada una de las lacras presentes en las personas, sea cual sea su posición social.

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Y, de postre, un último episodio que deja huella, una pequeña obra maestra titulada El noble arte, una crítica feroz al negocio del boxeo en la que Gassman y Tognazzi, impresionantes, comienzan divirtiéndonos y terminan helándonos la sonrisa en la boca. Una comedia que termina en drama con la que Risi nos advierte de que, en el fondo, nos estamos riendo de cosas muy serias.

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Editada en DVD por Tribanda.

LOS CAMARADAS (1963) de Mario Monicelli

Unos pocos años después de que Berlanga hiciera aparecer en Fontecilla, perseguido por la guardia civil, a un San Dimas con el careto de Richard Basehart en Los jueves , milagro (1957), Monicelli, cuyo cine me parece emparentado con el del director valenciano, enviaba a una pequeña población turinesa, en la que los trabajadores de una fábrica textil comienzan a estar hartos de sus condiciones laborales y de la pobreza en la que viven, al mismísimo Jesucristo, a un mesías disfrazado de profesor acosado por la justicia y con los rasgos de Marcello Mastroianni. El hambriento y desharrapado maestro, acostumbrado a las luchas sociales contra los poderosos, consigue unir a los indecisos lugareños y llevarlos a la huelga, y entre sus arengas y sus escarceos con la policía aún tiene tiempo de meterse en la cama de la María Magdalena local, una prostituta de lujo y de buen corazón encarnada por la maravillosa Annie Girardot.

        En Los camaradas (I compagni), Monicelli nos muestra la lucha de los trabajadores italianos por unas condiciones de trabajo dignas en medio de un ambiente de analfabetismo y pobreza, las dificultades que conllevaba en la época la organización de una huelga, la lucha contra los piquetes desesperados por encontrar un empleo aunque sea temporal, la miseria en la que viven los inmigrantes dispuestos a enfrentarse a sus compañeros e ir al trabajo para poder comer (no me extrañaría que algunas escenas hubieran servido de punto de partida, exageradas hasta la caricatura, para la negrísima y salvaje Brutos, sucios y malos (Brutti, sporchi e cattivi, 1976) de Ettore Scola)…Las cosas, afortunadamente, han ido a mejor, pero el film sigue estando absolutamente de actualidad.

        Con Mastroianni, Girardot y Renato Salvatori a la cabeza de un reparto que incluye a una jovencísima y casi irreconocible Raffaella Carrá y a un impresionante elenco de secundarios de esos que el cine italiano parecía poder fabricar en serie, Los camaradas es una de las películas más dramáticas de Monicelli, aunque la comedia, claro, no podía faltar, pero en esta ocasión pidiéndonos más una sonrisa cómplice que una carcajada. Me parece además una de las obras técnicamente más conseguidas de su autor. Apoyándose en la preciosa fotografía en blanco y negro de Giuseppe Rotunno, Monicelli rueda de manera portentosa las siempre complejas escenas de masas, cuida la planificación de las escenas interiores hasta el mínimo detalle, y consigue algunos de los movimientos de cámara más sutiles y hermosos de una filmografía de la que, injustamente, pocas veces destacamos su brillantez visual.

LA ESCAPADA (1962) de Dino Risi

La colaboración entre el cineasta Dino Risi y el actor Vittorio Gassman nos dejó un buen puñado de películas que, con mayor o menor fortuna, radiografiaban la sociedad italiana satirizando muchos de sus estereotipos, algo que, por otro lado, han tenido a menudo en común la comedia italiana y la española. La escapada (Il sorpasso) es probablemente la mejor de todas, porque es divertidísima (sobre todo en su primera parte) y porque esa crítica está perfectamente integrada en la historia, sin un solo trazo grueso que la coloque por delante de los personajes y la convierta en panfletaria.

        Durante el par de días en que transcurre esta road movie a la italiana, Risi nos va mostrando la Roma de la época, sus guateques y la música que estaba de moda, las playas y los restaurantes, los turistas, los currantes y los vividores, e incluso el cine del momento, dándole tiempo, como quien no quiere la cosa, a gastar una broma sobre El eclipse (L´eclisse, 1962) que quizá a Antonioni no le hizo demasiada gracia pero a mí sí: “…eso que está de moda, la alienación. ¿Has visto El eclipse? Yo me dormí. Una buena siesta. Un buen director, Antonioni.” Y lo hace pasando paulatinamente y con una facilidad pasmosa de la comedia más delirante al drama más crudo, de la astracanada a la realidad en que la carcajada se transforma en mueca.

        Guión del propio Risi, Ruggero Maccari y Ettore Scola (que no tardaría en debutar como director con la película de episodios Con su permiso hablamos de mujeres (Se permettete parliamo di donne, 1964), otra divertida sátira en la que Gassman interpreta varios personajes) al servicio de dos actorazos como Jean-Louis Trintignat, que da vida al estudiante Roberto aunque ya había pasado de los treinta, y Vittorio Gassman. El Bruno al que interpreta (apostaría a que está detrás del taxista con el careto de Roberto Benigni que protagoniza uno de los episodios de Noche en la tierra (Night on Earth, 1991), de Jim Jarmusch) es una de sus más grandes creaciones, un divertido calavera encantado de haberse conocido, un seductor al que parece que la vida le ha sonreído pero que se nos irá revelando como un pobre bufón a la deriva, una máscara tras la que esconder el fracaso. Gassman dispara líneas de diálogo con una vitalidad y una espontaneidad apabullantes, demostrando por enésima vez que era un animal de la interpretación, uno de los más grandes. 

                 Editada en DVD por Regia Films.